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想玩硬件合成器?我们盘点了那些最适合上手的!—— 2,Korg Monotron Range

一桑 -
合成器一直被大家敬而远之,不仅仅是高昂的价格,使用的难度也是相当棘手的事。但那些模拟的声音,用手即可操作的旋钮和推子,深深的吸引着每一个音乐爱好者。谁不想创造自己独有的声音呢? 随着科技发展,合成器也变的不再神秘,全世界有很多厂商开始尝试开发那些个头更小的,价格更便宜的合成器。有些合成器甚至不仅仅用于制作音乐,它们更有社交和娱乐的倾向,朋友间用不同合成器同步演奏,也变成了 youtube 上的潮流。 我们尝试盘点现有的最适合大家上手的合成器推荐给大家,这些合成器不仅便宜,品质也相当出色,非常适合入门。   Korg Monotron Range 性价比超高,口袋大小却内置了真正的模拟振荡器,配置触摸式控制器和扬声器。原版 Monotron 拥有 LFO 和 VCF 控制,Monotron Duo 增加了第二个振荡器,Monotron Delay 带来了简单而又好的延迟模块。Monotron 拥有经典的 Korg 家滤波器,和 Korg MS-10/MS-20 一个风味,你可以用它来处理外部音频信号。无论是哪个 Monotron 都非常有趣。     功能性 Monotron 是一款非常基础的合成器,但你可以得到大量可调的优秀音色,甚至可以用很有限的参数进行声音设计。   缺点 这个尺寸就不能要求什么功能了,还得注意输出信号的底噪问题。   种草 推荐给那些想要试水模拟合成器设备而又不想花太多钱的玩家。
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想玩硬件合成器?我们盘点了那些最适合上手的!—— 1,Teenage Engineering

一桑 -
合成器一直被大家敬而远之,不仅仅是高昂的价格,使用的难度也是相当棘手的事。但那些模拟的声音,用手即可操作的旋钮和推子,深深的吸引着每一个音乐爱好者。谁不想创造自己独有的声音呢? 随着科技发展,合成器也变的不再神秘,全世界有很多厂商开始尝试开发那些个头更小的,价格更便宜的合成器。有些合成器甚至不仅仅用于制作音乐,它们更有社交和娱乐的倾向,朋友间用不同合成器同步演奏,也变成了 youtube 上的潮流。 我们尝试盘点现有的最适合大家上手的合成器推荐给大家,这些合成器不仅便宜,品质也相当出色,非常适合入门。     Teenage Engineering Pocket Operators 第一波 Pocket Operators  包括 Rhythm (鼓合成器), Sub (Bass 合成器) 和 Factory (旋律合成器), 后两款合成器还提供了 FM、减法和波表以及物理建模的驱动方式。 在 2016 年,Pocket Operators 系列又加入了两款产品:PO-20 arcade 游戏合成器,PO-24 Office 噪声鼓机,PO-28 robot 8-bit 合成器引擎。 每个 PO 合成器都只有巴掌大小,当你打开包装盒,你就会得到一个快速使用手册,以及一个黑白屏、23 个按钮和 2 个接口的小东西。 功能性 这个 6 个东西都能创造出有趣而又实用的音乐元素,但如果只能挑一个的话那必须是 PO-12 Rhythm 或者 PO-24,这两个合成器都有一些很有意思的噪声,声音非常的特别。   性价比 你可以看到这些设备是如何省钱的:所有的零件之间安装在电路板上,LCD 显示屏也不是特别清晰,但这个价位实在无法在抱怨什么了....   缺点 上手需要耐心,音序器 LED 并不是一直闪亮,而且还不支持 MIDI。   种草 如果你想要用便宜的价格够一个有趣的电子音乐玩具,那么 Pocket Operators 会比你预期的更强大。    
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这些 70 年代的音乐科技,你现在也未必懂

一桑 -
F E A T U R E     “   音乐的历史发展进程与科技的发展进程有着密不可分的联系。从原始时代人类使用各种器物敲打节奏,还有电影中常出现的号角,到后来爱迪生发明了留声机和点唱机。可以说,工具的进化一直推动着音乐的聆听和创作方式。 很多人把 1950 - 1960 的科技发展看作是流行音乐的诞生。的确,在那个时候收音机开始普及,黑胶唱片和多轨录音机也为 60 年代末的音乐创作铺开了道路。但其实在某种程度上说,70 年代才正式拉开了现代音乐技术的序幕 — 它的上半部分可以看作是 60 年代的延伸,但下半场出现的发明,比如随身听和 CD,对所有的音乐类型都带来了深远的影响,直到现在。 如果真要给个说法,我们甚至可以将其定义为 “70 年代复兴”。         1970       24-Track Recording  24 轨录音机   多轨录音机的出现,允许音乐人在不同的时间录制不同的演奏,所以在 70 年代音乐的复杂性也达到了一个新的高度。Beatles 乐队在1966 年用 4 轨录音机录制了 《Revolver》,但他们 1968 年才用上 8 轨录音机。到了 1970 年,16 轨逐渐成为了标准,然后 24 轨录音机就来了,并且 24 轨的标准持续到了 80 年代。纽约的 Record Plant  据说是第一个使用 24 轨录音机的录音室,很多 70 年代的音乐人也使用了这套设备,包括 AC/DC, Queen, Led Zeppelin。         Hi-Fi Cassette Decks Hi Fi 盒式录音机   “盒式录音磁带” 在 1962 年诞生,然而直到杜比公司在 1968 年完成了降噪系统,这种形式才出现在音乐消费中。就是这项技术得以让 Advent, Fisher 和 Harman Kardon 在 1970 年推出首批卡带播放器。随着卡带的音质逐渐追上黑胶唱片,这种形式也变得越来越流行。据统计,在 80 年代早期卡带的销量超越了黑胶唱片。   Car Tape Decks  车载磁带播放器   除了高端的生产技术,磁带兴起的另一个很重要的因素就是汽车市场,8 轨录音技术被广泛的普及。在 1970 年末期,底特律的汽车制造商开始在新车型上安装自带播放机,据报道当时的车载播放器已经有 “快进,倒退、录音” 的功能。那时人们已经可以在高速公路上享受自己的制作的混音带。磁带播放器的历史相当久远,甚至在 2011 年的车型上还能见到它的身影。   Quad-8 8轨卡带   尽管那时磁带当道,但经典的 8 轨道卡带并没有束手就擒。就在 1970 年春天,RCA 推出了 4 声道的 8 轨道卡带。与当时其他的立体声播放器相比,它可以提供类似的环绕声体验。       Portable Synthesizers Portable 便携合成器   其实这种声音形式还有一段小插曲,平克·弗洛伊德的 1967 年演唱会本来就打算用这个技术进行录制,但最后跪了。不过后来平克·弗洛伊德还是使用这个技术发行了 Creedence Clearwater Revival 专辑,还有 Lou Ree 并不为人所知的 Metal Machine Music 专辑。有趣的是 Metal Machine Music 的卡带还在 ebay 上火了一把,竟然还有完好如新的原版卡带。尽管 8 轨卡带逐渐淡出视线,但还是成为了 70 年代的美好回忆。   Fender Rhodes Stage Piano Fender Rhodes 舞台钢琴   Harold Rhodes  在 1965 发明了 Fender Rhodes 电钢,但直到 1970 音乐人才能买到可以携带的舞台电钢。在那之后,Rhodes 电钢在那个年代几乎无所不在,Stevie Wonder,Herbie Hancock, the Doors, 还有 Steely Dan,有太多的音乐人在唱片里使用了这台电钢。 到了 90 年代,neo-soul 音乐人 D’Angelo 和 Erykah Badu 把这种温暖的声音变成了经典,而最近的 Floating Points 和 BADBADNOTGOOD 则打算在唱片中把经典延续下去。   Mellotron  Mellotron 电子琴   Mellotron 电子琴出现在 1963 的大不列颠,刚开始的时候还只是利用磁带采样的键盘乐器,晚些时候加入了略带颤音的笛声,也就是 the Beatles 1967 的单曲 Strawberry Fields Forever 开头的那段旋律。最普及的电子琴也许就是轻量的 Model 400,诞生于 1970。与 Rhodes 电钢一样,电子琴也横行了 70 年代,受到了 Genesis 和 Tangerine 乐队的青睐,还有大家喜爱的 90 年代乐队 Oasis 和 Radiohead。 顺带一提,现在已经有了 Mellotron 的 App。       Large-Scale Live Sound 大型演出系统   谁敢想象,Beatles 乐队 1965 年在纽约 Shea 体育馆表演时竟然用的是和播报员一样的广播系统,然后他们就取消了巡演。 在这之后,陆陆续续有各种各样的发明推动了现场演出的发展。但直到 Grateful Dead 在 1970 年 2 月在福克斯剧院的演出,才被看作是大型演出系统成型的开始。Grateful Dead 的巡演混音师,也就是 60 年代的演出声学系统先锋 Augustus Owsley Stanley II,在新奥尔良演出后被捕。福克斯让 Jerry Garcia 找来了附近的音频大师 Bob Heil,而 Heil 带来的大型声学系统让 Grateful Dead 决定聘请他进行巡演。Heil 为 the Who 亲手打造了这套系统,也就是这套发明终于让台下的观众可以真正享受到台上乐队演奏的音乐。             1971           Karaoke 卡拉 OK   难以置信的是,卡拉 OK 直到 1971 年才被发明,实际上在当时来说,要发明卡拉 OK 这套系统实在很困难。它的发明者是来自日本的 Daisuke Inoue,当时他正在夜店上班, 那有很多喜欢唱歌的商人。有一次,一位老板想让 Inoue 跟着他一起出差,帮他在旅途中享受音乐。然而 Inoue 并不能逃班,所以他帮这位老板录了一个伴奏磁带。就在同一年的晚些时候,Inoue 造出了第一台卡拉 OK 点唱机,当时被翻译为 “伴奏机” 。 歌迷从来没能这样享受他们喜欢的歌曲,直到 Inoue 发明了卡拉 OK。   Vocoders as Musical Instruments 声码器   声码器是音乐人非常熟悉的设备,它其实就是一台可以分析人声的合成器,通过人声创造出电子化的声音。然而这个东西有着悠久且美丽的历史,甚至可以一直追溯到 1928 年的第二次世界大战。 在 1967 年早期,Alvin Lucier 在 “North American Time Capsule” 就使用了声码器,但应该没有多少人听得出来。另一位 Moog 合成器器的爱好者 Wendy Carlos,在 1968 年发行 Switched-On Bach 黑胶后与 Moog 开发了一台声码器原型。接着 Carlos 就使用这台贝多芬声码器进行创作,而他创作的作品正是斯坦利·库布里克的 1971 电影《发条橙》,而声码器也就这样被观众们所熟知。  很多人都知道 “Talk Box”,但其实它和声码器不是一个东西。声码器同样在 70 年代被广泛使用,从 Kraftwerk, Electric Light Orchestra 到 Giorgio Moroder 和 Pink Floyd,80 年代后又有 Phil Collins 和 Neli Young 加入。尽管声码器和 T-Pain 擅长的 Auto-Tune 效果器有着明显的区别,但 Daft Punk 在 21 世纪依然使用着这个叱咤 70 年代的特殊设备。       Wah-Wah Gets Funky 哇音效果器踏板   哇音踏板被用来改变电吉他的声音信号,它其实是模仿小号长号的落音器,但用电子方式实现 “哭腔”。尽管 Chet Atkins 早就尝试过类似的设备,但现代意义上的哇音踏板是在 1966 诞生的,而且是一个意外,这得感谢加州的托马斯风琴公司和工程师 Brad Plunkett。 在 60 年代晚期,哇音踏板与迷幻音乐有着很大的联系,被大量用在了 Jimi Hendrix 和 Cream 的专辑中,不过 Hendrix 在 1967 年单曲 Little Miss Lover 上的用法开创了另一条道路。 吉他手 Charlie Pitts 在 Isaac Hayes 的获奖单曲 Theme from Shaft 中使用了现在依然流行的哇音技巧,这种节奏感极强的风格就是从这里开始的。当然如果 Miles Davis 在 70 年代的 3 张专辑,这种技巧也许不会像今天这样盛行。 971Live Evil,  1972 On the Corner, 1975 Agharta   Digital Delay 数字延迟效果器   音频行业在 70 年代初期都开始憧憬着未来的数字时代。马萨诸塞州的 Lexicon 公司在 1971 年创造了 Delta T-101 数字效果器,这在后来被看作是相当有有突破性的创新和成就,在这之后的 10 年内音频行业进入了数字时代。Lexicon 后继在 1978 年推出了数字混响系统。尽管大家对于经典模拟设备还是有着无法磨灭的情感,但无论是后来的电脑还是更加精确的效果器踏板,都多亏于这十年间对于声音产生方式的重新设计。   TONTO 合成器系统 — 新形式的 “交响乐团 ”    60 年代晚期,Malcolm Cecil 和 Robert Margoulef 收集了大量不同的合成器,并且把这些合成器组合成了一个新的系统,他们把这套系统叫做 “新形式的交响乐团”(TONTO)。卡尔加里国家音乐中心于 2013 年弄到了这套系统(TONTO), 据他们的说法这是历史上第一次合成器能够同时产生这么多的音色和声音。 Malcolm Cecil 和 Robert Margoulef 在 1971 年以 Tonto’s Expanding Head Band 的名义发布了黑胶唱片,这也是听众第一次接触到合成器系统。然而 TONTO 并没就此完成它的使命,Stevie Wonder 70 年代的专辑 Music of My Mind, Talking Book 和 Innervisions,还有 Quincy Jones, the Isley Brothers 和 Gil Scott-Heron 都使用了 TONTO 的声音。Stevie Wonder  甚至把这壮观的机械景象当做唱片的封面。  这套系统也出现在了 Brian de Palma 的 1974 电影 魅影天堂 Phantom of the Paradise,这对 Guy-Manuel de Homem-Christo 和 Thomas Bangalter 产生了非常重大的影响。这二位也就是传说中的 Daft Punk。       1972     King Tubby’s Mixing Desk King Tubby 的混音台   60 年代,牙买加有位修电器的老师傅创造了一套 Hi-Fi 声音系统,他就是 Osbourne Ruddock,Aka King Tubby。这套系统在 DJ setup 中有着相当的地位。   King Tubby 在金斯顿有自己的 Home Studio,他会在那用自己买来的 4 轨录音机进行创作,dub 也就是在这样的过程中诞生的。1972 年,King Tubby 在 Bunny Lee 的引荐下购买了老款 MCI 混音台,这让他得到了高通滤波器、混响和延迟效果器,以至于这些东西产生的 Dub 元素对于后来的 Post-Punk, Hip-hop,和 Techno 都有着深远的影响。   Mu-Tron III  Mu-Tron III 效果器   Funk 其实来自这样一款产品:能够让各种电声乐器听起来有合成器的感觉。来自新泽西的 Musitronics Corp 公司,在 1972 年发布了这样的效果器单块 — Mu-Tron III,引领了新的 “包络滤波” 或者是 “自动哇音” 效果器单块。就像它的名字,这款效果器可以让弹奏的任何音调变成哇音。这款效果器会出名都是因为 Stevie Wonder,他在 Innervisions 的 “Higher Ground” 中把 Mu-Tron III 和 clavinet 钢琴一起使用,顺便为这个效果器打了个广告。     “Dry-as-a-Bone Sound” 干声     随着科技的发展,录音室可用的轨道数量越来越多了,而录音师也找了使用它们的新方法。很多录音室开始把麦克风靠近乐器,而不是捕捉整个房间的声音,甚至把乐手安排在独立的房间进行录音。 “他们想要去掉漏音和杂音,所以每个音轨都是不相关联的拼图,录音师可以在最后的混缩过程中进行调试,对声音进行进一步塑造。” — Greg Milner 在他的录音传记中 Perfecting Sound Forever 写道。 干声录制技巧被西海岸音乐人广泛采用,比如 Eagles 和 Steely Dan,同时干声也充分展现了 AC/DC 和 ZZ Top 那直接的摇滚。         1973       The Heil Talk Box The Heil Talk Box 效果器   没错,又是 Bob Heil,那位帮助 Grateful Dead 和 the Who 传达演出声音的音响大师。Heil 也是 Talk Box 的发明者和推动者,简单来说它可以把你的声音通过乐器进行演奏。“大兄弟!你看那个人的吉他竟然在说话!”  Heil 在 70 年代早期为 Hoe Walsh 创造了第一个 Talk Box, 然后把第一个商业版本作为圣诞礼物送给了 Peter Frampton。Peter Frampton 把这个小东西用在了 Frampton Comes Alive 专辑中,这张专辑的大卖把 Talk Box 和他永远交织在了一起。               1974         The 12" Dance Single 12 寸黑胶   Tom Moulton Mix 是 70 年代公认的高质量迪斯扣单曲,但它的制作人还对这种音乐的呈现形式有着非常大的影响力。 当时的黑胶唱片还是一次性工艺,刚好母带师 José Rodriguez 把 7 寸黑胶用完了。Rodriguez 提供了两种替代方案,一种是 10 寸,一种是 12 寸。Moulton 希望 Rodriguez 能把旋律贯穿整张唱片,这样会带来一些附加效果,制造一种略大的声效,对于 DJ 来说那可真是极好的。  所以 12 寸马上就成为了舞曲的标准,但其实 Moulton 在音乐历史上的地位早已经明确:他被广泛的认为是舞曲 Remix 和舞曲混音带的创造者。           1975       Polymoog    复音合成器   尽管合成器在 70 年代早期已经变得相当便携,但还是无法同时弹奏两个及两个以上的音。不过在 1975 年,Moog 发布了 Polymoog,这款早期的 71 键复音合成器通过 Gary Numan 的 1979 热单 Cars 奠定了在 Synth Pop 中的地位,还有 Blondie 的 “Heart of Glass“ 中类似弦乐的音色。 其他的复音合成器席卷了这个年代,包括 Yamaha CS-80 (1976), Oberheim 家的 Polyphonic and OBX, Sequential Circuits 家的Prophet-5 和 Roland 家的 Jupiter 4。 Prince 在 1978 年的专辑 For You 中曾提到一位很有意思的创作者 — “Ms. Poly Moog”。   Component Car Stereos 车载立体声音响系统   当司机们开始习惯用车载磁带播放器享受自己喜欢的音乐时,更加昂贵和高端的车载音响系统也出现了。先锋电子在 1975 年首先推出了车载音响系统。这套系统有不同的组件,包括低音喇叭(中低频),高音喇叭(高频),能够带来更加理想的声音效果。当然还有低音炮,不过在当时来说这要高端许多。         1976         The VCR 录像带播放机   MV 的历史有着和有声电影一样悠久,所以音乐录影带的兴起也被看作是家庭视频的兴起。 在 1976 年,JVC 推出了第一台 VHS 录像机 - JVC HR-3000。随着音乐录影带在 1981 的 MTV 上积攒了大量人气,观众不仅可以录制 MTV 节目随后观看,更可以直接购买艺人推出的 VHS 录像带。很多艺人都有推出这样的录像带,比如 1989 年迈克杰克逊的“月球漫步”,以及 1983 年的铂金唱片 “Thriller” —第一个登顶 Billboard 视频榜单的 MV,并且连续占据了 8 个星期。  后来的故事大家都知道了,DVD 来了,然后是以 Youtube 为代表的线上视频网站。显然录像带已经过时了,但人们对于音乐录影带的追求正式从这项技术开始的。         1977         Synclavier Synclavier 合成器    在 70 年代后期,一种新的合成器带来了更加突破性的发展。1977 年,一家英国的新创公司在美国达特茅斯研发出了 Synclavier 合成器,这个早期的数字合成器一直蔓延到了 80 年代。这种数字合成器带有数字采样和其他相当方便的功能,逐渐帮助各大 Studio 实现 “无磁带”化。 在经过了 10 年之后,Synclavier 合成器在各种热门单曲中频频建树,其中 “Beat It” 这首歌就使用了 Synclavier 合成器的预设。         Commercial Digital Recording 商业化数字录音   数字录音背后的技术可以一直追溯到二战时期。数字录音方案的出现为模拟的方式提供了更多选择,并且在音乐制作意外的领域开始崭露头角。早在 1971 年,日本厂商 Denon 就推出了早期的商业化数字录音产品。后来的 Sony PCM-1,被看作是第一代正式商业化的数字录音系统,推出时间正好是 1977。在同一年,通过数字录音产生的专辑也问世了 — Ry Cooder 的 Bop Till You Drop,以及 Stevie Wonder 的 The Secret Life of Plants。       The Modern Stratocaster  Fender Stratocaster 电吉他   虽然 Fender 标志性的 Stratocaster 吉他在 70 年代前就已经大受欢迎,但新版本要比老板升级不少。1977 年,在 Stratocaster 打开市场 23 年后,Fender 用 5 个档的拾音器拨档替换了老式的 3 档位设计,而这种设计一直延续到了现在。虽然我们不知道这样的改变会对吉他手的弹奏方式造成什么影响,但这确实被看作是吉他市场中的大事记。         The Power Station 发电厂录音棚   70 年代很多制作人和音乐人都采样相同的方法进行创作和录制,近场拾音麦克风几乎成为了 70 年代的标志。来自新泽西的 Tony Bongiovi 曾经在摩城唱片工作了 17 年,他想要类似摩城那样的现场氛围同时还要避免麦克风之间的叠音。Tony Bongiovi 在曼哈顿老城区开了一家叫做 “发电厂” 的录音棚,在这里开始了与雷蒙斯乐队、Talking Heads、葛罗莉亚·盖罗和 Al Downing 的合作生涯。“发电厂” 在 70 年代末期输出了大量经典唱片,比如 Chic 的 C’est Chic 和 Risque,Bruce Springsteen 的 The River 和 Born in the U.S.A,David Bowie 的 Let’s Dance,以及麦当娜的 Like a Virgin。   Pink Floyd’s Flying Pigs Pink Floyd 的飞猪   尽管 Bob Heil 率先在美国引进了大型现场演出系统,但 1967 年 Pink Floyd 在的英国已经开始使用四声道演出系统,并且开始在演出中加入大量视觉元素,从迷幻的灯光秀到烟火表演,以及超大型充气玩具,最具标志性的就是 1977 年 Animals 巡演中出现的充气猪。可以说灯光、烟火和气球在整个 70 年代都很收欢迎,像 Queen 和 Kiss 这样的乐队都有采用。   Roland MC-8 Microcomposer Roland MC-8 Microcomposer 合成器   随着合成器变得越来越复杂,一些厂商开始加入电脑的处理方式。日本大厂 Roland 在 1978 年推出了 MC-8 Microcomposer,虽然产量非常小,但这款产品还是让大家看到了芯片对于音乐的力量。这款合成器采用了 Intel 8080A 8-bit 处理器,以及 16KB 内存,还有一个类似计算器的键盘。这款设备的早期用户包括 Ryuichi Sakamoto 和 Yellow Magic Orchestra,还有 Landscape 的 Richard James Burgess 和 John Walters。             1978         FM Radio Dominance FM 收音机的统治   FM 广播可以追溯到 30 年代,在 60 年代后期它开始传播更加先锋的音乐,这也间接产生了专辑导向的摇滚乐。FM 是一个更加自由的平台,更加适合用来收听音乐。 至于 FM 啥时候取代 AM,这实在很难追究,但大部分资料普遍都认为是 1978 年,那时 FM 电台占据了 Top 50 电台中的 Top 10。   Roland CR-78 Drum Machine Roland CR-78 鼓机   60 年代已经出现了只能播放原厂预设的节奏鼓机,而能够手动调制的鼓机则在 70 年代出现了 — Roland CR-78 诞生于 1978, 通过 Blondie 乐队被人们所熟知。直到 80 年代才出现了像 Roland TR-808 和 Linn LM-1 Drum Computer 这样人人皆知的传奇鼓机。   The Townhouse   The Townhouse 录音棚   纽约的 “发电厂” 不是唯一在 70 年代带回现场声音氛围的录音棚,在 1978 年 Virgin Records 的巨头 Richard Branson 在伦敦建立一个叫做 Townhouse 的录音室,结合了传统声学处理的录音室以及单独的石板混响房间。Townhouse 也是第一个使用机架的录音室,为他们提供解决方案的正是大明明鼎鼎的 Solid State Logic。1980 年,Townhouse 的工程师 Hugh Padgham 在录制 Peter Gabriel 的第三种个人专辑时发现了 SSL 机架在鼓手 Phil Collins 的作用下可以制造出一种声场巨大的声音。Padgham 接下来继续制作了 Phil Collins 的 1981 热单 In the Air Tonight,结合了 CR78 鼓机和 SSL 压缩器,Townhouse 成为了 80 年代最特别的录音室之一,他们的制造的鼓声成为 80 年代的经典。       1979     Fairlight CMI Fairlight CMI 编曲计算机   发布于 1979,Fairlight 音源电脑不只是一台数字合成器,同时也是数字采样器。在 1990 - 2000 年这样的功能在便宜的个人电脑上都可以使用,但当时只有 Fairlight 被广泛采用。Led Zeppelin 的 John Paul Jones 据说是第一个购买 CMI 的用户,后续还有 Kate Bush, Trevor Horn, Stevie Wonder, Herbie Hancock, Jann Hammer 等音乐人的厚爱。 Phil Collin 在 1985 专辑 No Jacket Required 中曾有这样一段话:这张专辑中没有用到 Fairlight。换句话说,这张专辑中的弦乐都是实演实录,没有任何的采样。不经意间,CMI 的成功却让这样的事情变成了吹嘘的资本。   Tascam Portastudio Tascam Portastudio 录音机   值得注意的,前面我们的提到的多轨录音工作都必须在录音室进行,但 Tascam 的卷盘式磁带录音机和混音台却让音乐可以在家进行录音。Tascam 在 1979 通过 Portastudio 让宅录得以实现,它被认为是第一台标准的 4 轨道磁带录音机。到了今天我们已经有电脑和手机可以随时进行录制,但当时 Portastudio 的便携性和实效性让其成为了 Bruce Springsteen、Guided by Voices、Panda Bear 等音乐人的利器。当然还有 Wu-Tang Clan 和 Madlib 这样的饶舌歌手,有太多的音乐人都在使用这个设备了。   Sony Walkman 索尼  Walkman   在 70 年代的进程中,乐迷们还不能很方便的把音乐带在身上进行享受,这在今天看来似乎有点难以接受。到了 1979 年,第一代 Sony Walkman 开始在日本贩售,彻底改变了听音乐的文化。虽然之后被 CD 播放器、iPod、手机等音乐收听媒介所取代,但 Sony 一直把 Walkman 品牌塑造成高端的数字音频设备。   Technics SL-1200MK2 Turntable 松下 SL-1200MK2 黑胶唱机   1970,日本松下公司推出了 Technics SP-10 直驱唱机,这也是历史上第一款直驱唱机。这种唱机的转盘由马达直接驱动,而不是传统的带式传动。 两年后 SL-1200 问世,但直到 1979 年的 SL-1200MK2 才升级了音调调节,这正好适应了 DJ 的需求。虽然之前唱机已经可以应付 Disco 舞曲,但直驱转轮狠狠抓住了先锋的 Hip-Hop DJ 们。 如今,这款 SL-1200MK2 唱机已经成为了历史级别的经典。松下在 2010 年停产了 SL-1200MK2,但去年他们决定用发烧唱机的形式回归 Technics 1200。   Compact Discs 光盘   “完美的声音” 刚刚到来。虽然在 1977 年索尼和其他厂商在东京音频展会已经推出了数字音频光盘的原型,但那时候光盘的尺寸和黑胶基本一致。到了 1979 年 8 月,德国厂商 Philips 首先推出了直径只有 11.5 厘米的光盘。 家庭数字音乐播放系统的革命直到 80 年代中继才开始,然后数字播放设备都开始采用一个小小的镭射感应器 “读取” 数字录制内容....  直到现在,下载和串流还没有像当初的光盘一样让这个产业充满活力....   Early Concept for an iPod iPod 的前世   1979 年,英国发明家 Kane Kramer 首先提出了使用芯片驱动的便携数字音乐播放器,而且尺寸只有香烟盒大小。当时当然还没有数字音频文件,所以这位大哥的想法是通过电话系统和唱片店来实现随时随地享受音乐。在当时他的想法还是相当前卫并且靠谱的:即时传输,即时账单计费。   不过这位大哥怎么也没想到,苹果会用这样的便携音乐播放器概念在 2000 年代早期大获成功。未来一直是站在以前的基础上不断向前。       Freaks who rack up quirkiest things.     要不 长按二维码关注一下?
CULTURAL 文化

在这跨年的最后时刻,我们套出了身边 DJ 们心中的年度最佳唱片

一桑 -
F E A T U R E     “ Musicians wrestle everywhere All day—among the crowded airI hear the silver strifeAnd—walking—long before the mornSuch transport breaks upon the townI think it that "New Life" ”   WATERMELON A.K.A "NVIP"   POPCITY INC. 主理人创始人 Full Time Chillers 成员 LAVARADIO 音乐总监     最佳唱片    HIROSHI SATO feat Wendy Matthews - Awakening(Limited Edition)     理由   垂涎已久,今年终于等到了限量复刻版本,经典的日本 Fusion/Citypop 大碟,好听到酥软,佐藤博老师的专辑,推荐不需要其他理由。   种草   懂得生活,知道品味日常细节,对旋律和节奏敏感,对音乐风格有包容性无偏见,男女不限,适合天气好的早晨,喝杯咖啡,会感觉生活很美好,细细品味音乐中的每一个音色和细节,你会爱上这张经典专辑的。     🔔       DJ Demone   糖蒜广播的创始人   电子乐队 Hielektromen 海淀人 的队长(左)     最佳唱片    Kraak & Smaak - Juicy Fruit      理由 因为糖蒜有日播的音乐节目,所以每周要坚持寻找很多新的音乐来听,以方便在节目中播放,这其中有很大一部分歌我播放过一遍就不再听了,也不会放在我的个人电脑里面做DJ的时候使用,因为我通过做节目来选择一些特别好的音乐留着DJ的时候使用。我这次推荐专辑的选择标准就是在我自己电脑里面同一张专辑留歌最多的一张,那就是荷兰组合 Kraak & Smaak 今年出的新专辑《Juicy Fruit》。他是一张基于 Nu Disco / Soul / Funk 元素的音乐专辑,乐队成员虽然来自英国和荷兰,但音乐里玩出了很多美国根源音乐的松弛劲儿。   种草 很专业的词汇我觉得不用说太多,主要你听他的音乐就很放松,旋律编的好听,风格变化也挺多的,门槛很低接受度特别高但特别有内涵。我也在学习做音乐的过程中,深知这种如果没有音乐技术和经历的沉淀很难做成这样,听这样的音乐也是鼓励自己再更努力地去学习。而且我在电台放一个方向,DJ的时候放一个方向,做歌则又是一个方向,我也在广阔的音乐世界中不停地变换自己的位置,我觉得也算是彻彻底底的去享受音乐的一个过程。     🔔       Senders Chen A.K.A "SPYFI"   电子音乐制作人 沉睡电台SLUMBER STATION厂牌主理人   2015年以 Senders Chen 名义发行 Minimal-Techno 专辑《The Bad Trip In Daydream》 2016年以 SPYFI 名义发行低音专辑《Let Me Low It》     最佳唱片    夏日宾馆      理由   合集我听了很多,难分伯仲,但可能因为我今年太忙,脑子真的出现了疲劳,这张合集一定程度解了我的疲劳。而且助我了解了周围的很多朋友的音乐。驰放,轻松。很舒服。   种草   给休息时的朋友,IT狗,白领精英们,别太累了。还有就是习惯性迪厅抖腿的人们,休息一下吧……       🔔       DJ Liia   无人问津的下架大四狗 主理低音厂牌 C8H11O2N(多巴胺) 一名放 dnb 的人畜无害的 DJ     最佳唱片    Ruffhouse / Skitty 'The Foot'  [Loxy & Resound Remix]' / 'Oppression Dub' (Vinyl)     理由   个人喜欢偏黑暗一点 dnb,这两首的结构在不偏离 drum&bass 主律动的基础上又包含了很多细碎的 groove,同时也融入了一些 ambient 的元素,情绪是循序渐进的带入且表达的非常完整深邃。   种草   这类的歌个人认为不适合在做事情的时候听,适合在放空的时候听,因为其中有很多微小的细节需要去感受。       🔔       DJ Joy Ginger  也是一个 Producer      最佳唱片   Mobis - Yen Tech     理由   一张充满着反乌托邦情绪的 cyberpunk 说唱,凶猛的 flow,配上末世气息的实验 beats,无疑是今年最让我惊喜的一张专辑。   种草   我个人觉得这张专辑所有的 Raper,说唱爱好者,科幻迷,太多了,其实我觉得好音乐每个人都该听,不分任何时间任何地点,哈哈哈哈哈哈哈哈哈……       🔔       DJ PUZZY STACK  先锋低音电子音乐派对 S!LK 主理人      最佳唱片    Vince Staples - Prima Donna      理由   Vince Staples 为这张专辑拍的 MV 实在是令人称赞,巧妙的运用了台前幕后的自己在现实与梦境间的转换。你可以听到专辑里的歌曲节选在每个场景用不同的方式表达出来,很灵活的用专辑讲了一个小故事。歌词也是很有意思,不妨欣赏一下。   种草   之所以推荐这张专辑是因为它别具一格,我觉得风格迥异的大家都可以去听一听,每首歌都适合在不同的状态下欣赏。   🔔         DJ Darcy   当过电子派对现场报道记者 作过北京电子乐活动 爱 Disco & House 活跃在灯笼 & DADA 2016年在 D LOUNGE 驻场啦     最佳唱片    Martin Denev 的Manga Electrika Vo. 1     理由   这张合集发行于今年3月,类型涵盖 nu-disco\indie dance\soulful house,除了制作人 Martin Denev 外,还有来自与 Opolopo、Pete Herbert 两位老司机的再混音。其中个人很喜欢单曲 Bring the Summer Back,优美的人声旋律加入水晶般剔透的合成器音色,让人感觉 acid 也可以这样好听啊(😁)。这首歌可以作为这年夏天我在 D lounge 放音乐时寻找的某种感觉,可能那会放了不少迷幻感觉的 disco 吧。   种草   这样的歌可以在家自己听,也适合作为BGM播放在酒吧,CLUB里肯定也能放啊,DADA和lantern我都放过这首,它没有特别强的跳舞的功能性,但对烘托现场气氛会有不错的作用。 其实作为一个花心的DJ来说,好歌永远不嫌多,但今年我还特别想分享一张朋友推荐给我的作品,   Mounika.的 Seagulls EP   虽说是EP,但这张竟然有16个TRACK?!不过里面有部分是短小的BEATS,可以算是 instrumental hip-hop 作品,作者使用 了Fl Studio加 Sp404 SX,采样均来自老黑胶唱片和互联网。 推荐理由挺简单,一个是好听,一个是今年因为也买了404,并且开始听更多的缓拍类型音乐,所以从私人趣味来讲,也很想分享给大家的(这是我的BSIDE么😁)。 请听我做的MIXTAPE吧!         🔔         SHEN 燃音乐主理人 Dumb Plants 笨植物电子乐队(左)     最佳唱片    Max Cooper - Emergence      理由   放弃了广告自家发行唱片的机会强力推荐这张,毕竟输出自己审美的机会有限。关注Max Cooper有段时间了,在我印象里他一直是个牛逼的声音设计师,各种粒子采样和扭曲失真的Drone是他最擅长的,而且哥们有一个计算生物学的博士学位,这张今年末的新专辑则体现了他的这一强大理科背景。专辑的主题就是探索“形成”之美,和专辑一起发行的视频一定要看,一下就能让你进去到音乐里了,各种物理规律作用于物质,几何图案在不同纬度的拓扑延展....Max独特的声音设计和图形的变幻紧密的配合,算是一张概念专辑的典范,这也会在未来很长时间内成为我的一个审美参考。 种草 这张专辑还是属于大众能接受的范畴,并没有到太“曲高和寡”,音乐人会享受这些美妙独特的声音,普通听众也能被氛围和旋律所感染。最适合的场景还是早上感觉吧,万物苏醒,阳光冲破云霭的感觉。       Freaks who rack up quirkiest things.     要不 长按二维码关注一下?    
CULTURAL 文化

欢迎参加「雅马哈 CUBASE 2016」新品发布会

一桑 -
2016年12月27日,周二下午,雅马哈将在「北京芳草地画廊举」举办 Steinberg Cubase 2016 新品发布会。这是国内首次由官方雅马哈与 Steinberg 主办的发布会。     此次发布会上将带来 Steinberg 最新发布的 Cubase Pro 9.0 新版本演示,对新版本有兴趣的朋友不要错过。
NEWS 新闻

今天这霾,我没心情聊音乐了,都死吧

一桑 -
  ……………      Fuck The World      ……………      这是我在公司拍的照片,我在办公室里依然带着口罩,空气净化器的红色警示灯已经亮了一天。   今天,我没心情聊音乐了。我们聊聊雾霾这件事。   很遗憾,我待的这个小公司,即使再愤世嫉俗,也没魄力让大家放个假。我也跟大家一样怂,也不敢跟公司提这茬儿。都说玩音乐的挺愤的,我们全是怂货。   本来想接着写「不过,我们还能说些话」,但仔细想了想,这世道,总能审核的让你说不出话。   我只能发这张我笑出了声的图。     我们什么都没法说。   即使   我们知道   「数据是用来掺水造假的」   「砖家媒体是用来指鹿为马的」   「小厂子晚上省钱是关过滤系统的」   「5环晚上冒着黑烟的大型柴油车是到处乱跑的」   「晚上睡觉飘来的异味是根本不知道在哪的」   「你们心中只有经济是不能垮的」   我们什么都没法说。 我!们!什!么!都!没!法!说!   都去吸霾吧,都死吧,死个他个几万人   「都知道事儿大了才是有人管的」       Freaks who rack up quirkiest things.     要不 长按二维码关注一下?
CULTURAL 文化

你的周末派对搭伙指南

一桑 -
  ……………      The Boys & Girls Guide to Getting Down      ……………        北京 BEIJING   ELECTRIC CITY 两周年特别呈现 时间:12月16日 周五 10:00 PM 地点:Migas (北京朝阳区三里屯北街81号那里花园6层) 门票:预售70¥ 现场100¥ 我去 RA 看了一眼,这个美国电子组合今年的行程真是满,全球到处飞。 SOUL CLAP 的音乐里有大量 Funk 的元素,最有名的一张专辑叫做《EFUNK THE ALBUM》,大家可以先听一下做个参考。我看他们之前的 YouTube,放的基本是 House+Disco+Funk 混搭,不过我也不知道他们那天晚上的 Set 到底会放什么风格。不过既然是两周年活动,还是推荐大家去看看。       上海 SHANGHAI     Heavy with General Levy and Kuranaka & Friends  传奇场地 「庇护所 Shelter」 告别演出 时间:12月16日 周五 10:00 PM 地点:Shelter (上海市永福路5号) 门票:12点前80¥,12点后100¥ 去这个活动还需要理由吗?离得近的都去看看吧。Shelter 的告别演出,阵容不错。艺人我也不一一详细介绍了,资料能从 Shelter 的公众号上找到,反正有 Jungle 说唱大叔、两个玩 Dub 的,还有雷鬼...应该是够嗨了。     Daily Vinyl Weekend - 两周年特别活动 时间:12月17日 周六 10:00 PM 地点:Elevator (上海新乐路218号4楼) 门票:50¥ 作为国内为数不多的在推广黑胶文化的组织,周年庆绝对值得去看看。周六这个活动是他们两周年预热的活动,周日还有个集市活动,不过 Freq 还是以推荐 Club 活动为主就不推周日的活动了。想去集市买唱片的,可以关注下 DailyVinyl 的公号看看怎么去。周六晚上有两个 DJ 的黑胶 Set 可以听,这年头还在做黑胶 Set 的 DJ 都快变稀有物种了。       Freaks who rack up quirkiest things.     要不 长按二维码关注一下?
CULTURAL 文化

碟评|h_w_a(aka elvis.T) - "Mod" EP

一桑 -
  ……………       A L B U M   R E V I E W       ……………  之前跟嘉嘉聊天,他还讲笑话说他们厂牌每次做黑胶都是自己从香港背回来的。 没想到这么快他们又背回来一张,这是「燃音乐」成立以来发布的第5张黑胶唱片,一张 Techno 的双单曲 EP。一般 Techno/House EP 的名字惯例就是第一首歌的名字,所以叫做 "Mod" EP,h_w_a 是作者的名字。有趣的是,这个名字是 Elvis.T 的新化名,后来我问他 h_w_a 的含义是不是"华",他回我:对的。 Elvis 今年十分抢眼,特别是在 「Boiler Room 中国站」中惊艳亮相,用纯硬件模块化合成器进行了全场表演,主持甚至在结束时大呼:Show u One More Plus! 在这张 EP 首发前,嘉嘉还在 Floso 唱片店搞的一个小型的 Workshop,Elvis 带了三大箱模块化合成器去给我们讲他的使用心得。   Side A - Mod   A 面名字起的十分深入我这群合成器爱好者的心,Mod 是 Modulation 的缩写,中文里好像没有特别合适的对应的词,可以暂时理解成调制量。这个功能在合成器里相当常用,一般会是一个旋钮,比如去调一个振荡器的频率,调制量越大音高越高。 Mod 中的底鼓实在太猛了,再配合上叠加起来的 Bass 律动,每一拍都感觉在撞击着身体。随着 Frequency 的移动,你能体会到 Bass 的声音在不停的扭曲变化,就像在黑暗中不停的翻转、下降。那种感觉并不是被吞噬着,因为整个律动还带来了疯狂的感觉,那确实在逼近深渊,但自身却燃着火焰。 这首估计挺能带动 Club 气氛的,我在家听的时候自己都嗨了,推荐 DJ 们使用。   Side B - Arp   Arp 这个缩写放在电子音乐里一般有两个意思,一个是 Arpeggiator(自动琶音器),也是一个在 sequencer(音序器)经常用到的功能。另一个是 Arp synth 合成器,这是家超老牌的合成器厂商,如果没记错的话,他们是最早开始做“复音”合成器的厂商,历史可以追溯到上世纪60年代。莫非 Elvis 在致敬这个经典系列? 整首听下来氛围感相当浓重,我觉得 Arp 十分适合当电影《地心引力》的配乐。鼓点的节奏在循序渐进的给听者紧张感,经过设计的 Pad 部分塑造了一个有强大气流的失重空间。律动推着你,在这个空间旋转、挣扎,然后不停的循环。在乐曲的最后 Elvis 的设计似乎让你感受到了一点点希望,但没有让你逃出来。只是感觉镜头慢慢被拉远,你被扔在了那个死寂的地方,不再动弹。           Freaks who rack up quirkiest things.     要不 长按二维码关注一下?
CULTURAL 文化

为什么我们很少听到女性作曲家的作品?

一桑 -
巴赫、海顿、莫扎特、贝多芬、肖邦…为什么这些家喻户晓的音乐鬼才皆为男性? 作曲名家中为何女性寥寥?回答这个问题之前,我们先来看一个实验。 Scott A. Miles等学者在2016年进行了一项名为《音乐中的性别区分:女性在认知熟悉旋律方面的优势》(Sex Differences in Music: A Female Advantage at Recognizing Familiar Melodies)的研究,参与者皆为惯用右手的操美式英语的美国本土居民,他们发育正常、无神经性的或是心理性的异常。参与者被分为男女两组,各有24名,每组半数为音乐人半数为非音乐人。测试所需的260段旋律的长度在4.1至15.8s之间。 其中的旋律源自知名曲调的片段,涵盖传统、民谣、儿童、爱国、古典和流行音乐,也有来自电影、电视和百老汇音乐剧的主题曲。测试者被引导聆听每一支旋律,一旦听到熟悉的曲目就按下某个按钮。实验将记录他们的反应时间和准确度。 实验结果显示,不管是音乐家还是非音乐家,女性对于知名旋律的平均反应时间约短于男性0.5秒,判断结果的准确度也比男性约高10个百分点。该研究认为这归功于女性在陈述性记忆(Declarative Memory)方面的优势,使得女性对熟悉旋律的判断更胜一筹。不仅如此,该实验精确地捕捉到,无论曲目是否带有歌词,无论测试者是否专业,这种优势依然存在。 我们可以说,在旋律认知层面,女性赢了一分。 虽然女性具备这一天然优势,但这种优势似乎只能说明女性更加擅长分辨旋律,但是依然不足以证明更善于创作。比较男女“音乐能力”至少还要包括创作力。Farnsworth早在1969年就通过对音乐学者和学生进行民意测验,调查了数位古典音乐作曲家在他们心目中的地位。调查结果的依据是这些作曲家在百科全书上所占据的面积,并且记录了他们的作品被演绎和录制的频度。这些不同的指标最终都指向一个结论:被认为地位最显赫的作曲家皆为男性。 同样,North 和 Hargreaves (1995)在流行音乐领域也进行了类似的调查,男性依然主导着顶尖演奏者的名单,所幸麦当娜和惠特妮·休斯顿仍然上榜。如果社会认可算是一种体现价值的方式的话,那么女性恐怕在这一轮PK中要丢掉一分了。 显然存在其他原因让女性音乐人的存在感被大大削弱。19世纪法国著名女作曲家夏米娜德在职业化道路上就面临性别上的限制影响,妩媚和优雅彼时是女性特征的两大特点,常被用来评论夏米娜德的风格,一旦弹奏“不阴不阳”的作品时便会招来批评。苏珊•麦克拉瑞在《阴性终止》中提出音乐中的性(sex)、性別(gender)与性欲特质(sexuality)使得古典音乐颂扬“男性阳刚化”曲调创作,贬抑被视为女性阴柔特征的音乐形式,这一认识深刻影响了整個西方音乐史的社会性别建构。澳大利亚学者Dawn Bennett研究发现,女性音乐人相比于男性鲜少从事职业化活动,而更有可能为了家庭和承诺的需要,退居到音乐教育领域。中国女性音乐研究学者宋方方认为女性作曲家处于劣等的地位不在女性本身,而在于根深蒂固的父权制度和性别观念。在中国,宋代时期出现的大量女性乐人,驰骋于歌坛达三百年之久,为宋词歌曲的传播、新调的创制,作出了显著成就,但她们却是城市经济畸形发展及上层社会享乐成风的产物——她们往往出身卑微,为了维持生计,不得不侍奉酒宴,唱词助欢,供人娱乐遣兴。也就意味着,这些富有才情、技艺精湛的女性乐人们处于社会的底层。 如果女性被遗忘,很大原因是万恶的男权社会,那么, 我们恐怕要为女性感到同情,并且加回一分了。 不管怎么说,女性创作的作品,究竟如何呢?事实上,天才女性作曲家不是没有的。在西方,克拉拉便是例证,克拉拉早年通过艰苦的训练获得了出色的琴艺和创作能力,在赢得了前所未有的赞誉和经济支持后,激励壮志未酬的丈夫舒曼,协助他跻身一流作曲家行列,自己则甘愿奉献于家庭。又比如芬妮·门德尔松,当我们听过她的弦乐四重奏,便会意识到这位早逝的作曲天才对世界音乐史来说是个多么巨大的损失。菲利克斯也很仰慕姐姐的才华,但是他们的父亲却悲观地认为“她的才华对于女性来说有些过分了”。 其实,在音乐史学家的记录里,女性音乐家/作曲家,一直是层出不穷的。我们在《女性与音乐:不可忽略的故事和作品》一书里,可以找到从神话传说时期,到20世纪初期所出现的大多数女性作曲家,以及她们的主要作品。 想要真正回答女性作曲家到底强不强的问题,不是列举一些作曲家的名字就可以回答的。我们需要回到作品本身,而不是那些花哨的心理学实验。我们一方面期待音乐学者能写作一本关于女性作曲家的作品分析的书,一方面作为普通爱好者,可以用自己的耳朵,去聆听这些音乐,获得自己的答案。 感谢数字音乐时代,我们找到了很多由女性创作的数字录音材料,可以供大家聆听。在这一轮PK里,我们停止打分,改用自己的耳朵去做判断。 
CULTURAL 文化

播客复兴中的前卫理念:Yeti

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有多少人受了某位主播声音的魅惑,在不知不觉的长期聆听中受到了潜移默化的影响,并和节目以及主播形成了强力的情感纽带。这种对于不可量化的模糊价值的珍视,是互联网逐渐变得精深微妙之后的必然结果。 —— 李如一 IPN 播客网络创始人 关注互联网的朋友可能会碰到「播客复兴」这个词,这两年不管是在国外还是国内播客势头都在飙升,在知乎上也有《播客 (Podcast) 为什么又红了?》这样的问题引起热议。而在音频行业,这无疑制造了新的需求,大家需要一种更简单的设备,简单到不需要我们去挑选话筒、话放、声卡、线材,即插即用,而且只花一次钱即可。满足这些需求其实很简单,只要我们愿意考虑下 USB 话筒。 叉烧之前评测过全球第一只USB话筒:Samson C01U,国外很轰动,国内“十动然拒”(还是贵..),另外第一代USB话筒只有话放与ADC,没有耳放与DAC(数模转换),录音时无法监听。 之后几乎所有主流话筒商都陆续推出了USB话筒,而且产品大有改善,于是我们这次来评测的 USB 话筒,来自目前产品线最丰富的 BLUE。我们挑选了它销量最好的 Yeti 来玩(目前北美销量第6)。  (所有图片点击放大,或鼠标右键选择“在新标签中打开图片”) 所有设备都在整合,90年代的商界才子出门要带计算器/BP机/商务通/大哥大,如果现在也带,那一定是艺术家。 在专业音频领域,话筒与声卡的整合方式一是 Apogee One 这种“声卡集成话筒”(目前全行业只有一款);更多厂商选择的是“话筒集成声卡”。小话筒只能集成小声卡,但 Yeti 能集成大声卡,因为它是目前最胖的USB话筒(也最重),目测是以听装可乐的体积进行设计的... 说明书上面的超萌雪人,每个代表着一种录音用途。查了下,Snowman 泛指所有雪人,但 Yeti 特指喜马拉雅雪人。录音时请按照 Yeti 哥的指示如下图,电容话筒对着振膜录音会有更好的效果。  指向性的说明非常有趣,每一个雪人代表一种录音方向。例如戴眼镜的书生是“播客君”、两只小雪人的是二重唱君、戴帽子拿拐杖的是野外采风君... 我们来看一下参数,现在市场价 149 刀的 Yeti 与 269 刀的 Yeti Pro 做对比,“USB话筒”部分两者完全一致,Pro 多出来的是一组模拟电路,让它可以连接话放;Yeti 100dB 的信噪比接近千元声卡的水准,16Bit/48Khz 也满足了非专业录音的需求,而 Pro 已不亚于中端声卡的音质参数,114dB 信噪比的声卡目前起码是两千RMB以上。  值得一提的是 Yeti 在 Mac/Win 都无需驱动,Yeti 同时还可以当作声卡来使用。在声卡菜单里选一下 Yeti 即可,可见 Yeti 已经满足了我们想要即插即用的条件。唯一遗憾的是 Yeti 并不能直接连接 iPhone 来录音。 对于CPU而言,现在已经能做到集成南北桥、显卡与内存控制器,以后主板充其量就是个“CPU接口”,由于数据传输路线更短,性能反高于主板的方式(只是受限于制程与集成工艺)。对于音频设备,USB话筒由于减少了模拟的损耗(话筒→话放→ADC→电脑→DAC→耳放),理论上拥有更少的音损,能够在同样价格下做得更出色。 首先提下 Yeti/Yeti Pro 作为声卡的输入/输出音质,通过动态范围与信噪比,通常可以直接判断声卡价位,Yeti 拥有 100dB 的信噪比,大概是千元声卡的水准,但 Yeti 还不到千元。 然后我们看看 Yeti 在不同指向性下的频率响应: Yeti 和 Yeti Pro 的声音是基本一样的(只是ADC的信噪比不同),为了做到最丰富的功能,3个咪芯的振膜直径是14mm,比常规的小振膜话筒大一点,因此在低频的拾取上不如大振膜话筒,但在录制吉他时频响与速度都非常合适(100Hz以下量感不足,但居然优于铁三角2020USB)。 三个振膜的频响其实非常中肯,但由于前至的两个咪芯按照立体声方式摆放,并没有正对前方(通过 sum to mono 的方式合成单声道),因此在下图的频响中,我们看到立体声拾音时频响最准,过来是心型指向。同时小振膜的频响更适合录女声与器乐。  如果想做得更好一点,可以用4个咪芯,多一个专门正对前方,当然这要加成本,也就不止149 美刀了。目前的方案足够完美,让 Yeti 能胜任几乎所有场合的录音。 作为一个新兴音频产品,USB 话筒的音质其实超过了同价位声卡+话筒的解决方案,而且依然处于高速发展期,以后还有望加入DI电声乐器接口,更大程度取代入门级的2进2出专业声卡。 你牺牲的是可玩性,就像单反相机,你可以搭配不同的机身与镜头,你也可以搭配不同的话筒与声卡。随着对速度、效率、与价格的需求,USB话筒可能会像智能手机拍照一样便宜又方便,音质也会越来越好。传统声卡+话筒的方案会变成高端发烧友的坚持,也不会消失。 但 Yeti 是 USB 话筒的探索:你要效率,没问题,一只话筒,直接 USB 接电脑就录,不废话。 Yeti 目前处于“USB话筒”分类的全美销量第6,事实上 BLUE 还做了不少有趣的话筒(还有Spark Digital、雪球和 Nessie)如果你想尝试一下这种新型设备,BLUE 有非常多的选择!
MIC 话筒

Monologue 发布,看 Korg “拆”出个未来

一桑 -
大家好,又到了看「Korg 拆拆拆」环节,还记得上次吗?我发了《Korg 出了只有一个音色的 Volca Kick,他们离出「Volca 面包机」不远了》 Korg 非常顺理成章的的只拆了一个底鼓音色,为 volca 家族强添了一员。本来我大胆预测,他们要进军家用电器事业,然而事情的结果我非常失望。 Korg 非但没有进军家电产业,而是又拆了另一个合成器——minilogue。 你想看拆成了什么样子吗? 想看参数对比吗? 这个拆的我给满分。把实在拿不掉的堆起来,剩下的扔掉,这估计就是 Korg 设计产品的思路。 你知道 Korg 家拆完东西后最厉害的是什么吗?是搞的好像很便宜。 这个 monologue 目前299刀,他哥 minilogue 499刀。这个拆出来配置可以说在299刀里是顶级的,我给大家看看299刀的合成器列表。(数据来自 sweetwater) 299 刀这一档就这六款桌面合成器,其中 microbrute、Tb3 我个人认为是一泡屎,剩下的配置也就 monologue 更划算些。关键我想吐槽的是,一次出5个颜色一定是为了的站版面来的。 之后就是 300-399刀这个档位了。 这个档位最便宜的竟然是 TB03... 不过大家看出来 Korg 在价格上的阴险了么?拆出精华给你,还便宜,你买不买?
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都怪那天我在「北京 HIFI 展」走进了中音的展位

一桑 -
其实叉烧几乎不去“HIFI展”,叉烧虽然叫叉“烧”,但我们一点都不“烧”,基本相信科学的我们还稍微有些抵触情绪。不过今年的 HIFI 展,我们发现了自己熟悉的专业领域设备也有展位。 由于中音展位就在二楼,我便率先冲了进去,一进展厅就看到妹子的微笑,还对我说了“欢迎”。然而这也是整个 HIFI 展,唯一配备前台妹子的展厅,这直接导致我对中音展厅的好感爆膨。 展厅里的人还不少, 感觉这次 HIFI 展,30多岁的人来的也不少, 我以为都是大叔们会来看展。 音箱试听区的两台 3010 显得十分霸气 展厅里 EVE 全家都到齐了。 其实 EVE 是个蛮神奇的公司, 业内人士都知道, EVE 的创始人就是当年 ADAM 的 CEO 另外一个区域是 SPL 系列,大家试听十分踊跃。 我等了好久才抓到机会拍张没人挡的。 SPL 定义的 Pro-Fi 系列都有展出, 包括今年四月新出的 Phonitor x、Phonitor e, 小编试听了下这个万元全能耳放+万元森海耳机后, 心都化了... 不过有件重要的事小编想说, 你知道去 HIFI 展最重要的是什么吗? 是给你 “吃的”和“喝的” 小编我上上下下五层楼,电梯保安说坐不了,只能来回跑。整个场馆连个水都没卖的,转了一下午又饿又渴,厚着脸皮又冲回了中音展位,狂吃狂喝了一会儿,中音的陈总还帮我做了一杯咖啡,我真的非常感谢他! 所以我决定给“救了我的”中音展位单独写一篇,要怪都怪那天我在「北京 HIFI 展」率先走进了中音的展位,体会了他们的好。
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你觉得自己不再听“新的音乐”的原因是什么?

一桑 -
问这个问题的原因是看到了 Reddit 上的一个帖子,标题超长: I'm a 43 year old man with a wife and two kids. I have completely lost the thread of exciting new music in the last 10-15 years, even though it used to be central to my life. Making absolutely no assumptions about what I might or might not like, recommend me some great NEW music (last 2 years) 搜了下知乎,上面也有类似的问题 人们都听老歌,不关注新歌,是否意味着音乐产业上游正在严重萎缩? 说真的,我身边 99% 的人都不再听新的音乐了,而且我们还是做音乐相关行业的,我实在觉得这很凄凉。 我们买了更好的箱子,却继续听自己听了8万遍的蔡琴。 我们挣了点钱,却去工体听一帮“奔五”的老男人们各种乱唱“青春”。 我真的不知道我们到底在干嘛。

模块合成器先驱 Don Buchla 去世,享年 79 岁

一桑 -
之前飞飞老爷说他每次去美国 NAMM Show 都会发现少了些人。那么这次的 NAMM Show 再也看不到 Don Buchla 了。 这位模块化合成器的奆奆与他同时代的“Moog”的创始人,Robert Moog,可谓既生瑜何生亮。而且 Buchla 比 Robert 多活了 10 年。(这样算的话 Buchla 估计是“亮”...) 如果你了解 Don Buchla 话,你就能明白他有多伟大,虽然做出第一台模块化合成器的人是 Moog,但 Don Buchla 做出的 Buchla Series 100 对后来模块化合成器市场的造成了巨大的影响。 你能想象 1963 年的设备在设计理念上就有意识让人用“触摸”来输入音符吗,这种铜片的触摸输入的方式就是 Buchla 开创的,Buchla 甚至为此留下了一句名言:钢琴键盘就是集权主意。他年轻时,经常不愿意把自己做的设备叫做合成器,他更愿意叫他们“电子乐器”。 还有一个让 Buchla 名垂青史的一个输入界面,像老鹰一样的键盘。 就连国内合成器大师孟奇的模块也是相当的在致敬 Buchla! 以至于后来流行的 Eurorack 的大部分的模块的功能,可以说就是完全在照搬 Buchla 模块的功能。 感觉这两年大师们西去的特别多,不过 Buchla 79 岁的年龄还算是能让我们这些脑残粉接受,所以,在文章结尾我决定放一张我们小群对 Buchla 去世的讨论。内容十分感人肺腑。   R.I.P,Buchla
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Roland,30年前的意外,30年后的惊喜

一桑 -
上周五,Roland 在 #909day TFR 上发布了 TB-303 与 TR-909 的真•复刻版 TB-03、TR-09,身边喜欢玩硬件小伙伴们基本都沸腾了,其实看到这个消息也不奇怪,只是这个消息"晚了30年"。     这个世界有一个奇妙的法则——伟大的产品如果过早进入市场就会面临失败的命运。就拿 TB 303 来说,1982 年发布,由于销量不佳,仅卖了一年半后便在 1984 年宣布停产。但也正是因此,导致当时大量存货低价销售,穷苦的制作人们开始疯抢。后来的事大家都知道了,那是一份意外的惊喜,它成为了 Acid House 标志性的声音,它代表了一段电子音乐特有的时代,形成了独特的文化。英国卫报也把它列入在"50个重大电子音乐历史事件"中。谁也无法想象这个初衷是帮助吉他手练习的 Bass Line,却在电子音乐历史上写下了如此浓重的一笔。     如果有兴趣的朋友想领略 TB 303 的魅力,可以听听 Charanjit Singh - "Raga Bhupali" (1982) 这首对日后 Acid House 影响深远的曲子,里面用了3件 roland 的设备:TB 303、TR 808、Jupiter 8。     另外还有两张专辑大家也可以听一下,分别是:Jesse Saunders - "On and On" (1984)     还有 Phuture - "Acid Tracks" (1987),Acid Tracks 可以说是 Acid house 中的标志性专辑。     停产后的30年里,无数的人呼吁 Roland 重新制作停产设备,但 Roland 态度十分奇怪,似乎刻意的不回应这些呼声。 制作人们只能通过各种途径去买这些复古设备,现在大家随便去 taobao 或者 ebuy 搜索二手,你看到的价格可以用恐怖形容,新一点的3万软妹起,旧点的也2万软妹,不仅 TB 303 如此,TR 808 与 TR 909 也相当昂贵。音乐人想再亲自摸一摸那个时代的声音?穷苦的我们只能老老实实30块买个采样包扔到采样器里自嗨一下。   还有些技术奆奆在分别在软件,硬件,网页里复刻过这款设备,像是著名的瑞典音乐软件商 Propellerheads 起家的软件 ReBirth 就复刻了 TR 808、TR 909、与两个 TB 303。这套软件现在又被复刻到了 iPad 的上,搜 ReBirth 就能找到。     后来 Roland 干脆把 303 的设计图开源出来,让大家随意自己玩。   这次复刻 TB-303 与 TR-909,并不是没有征兆。Roland 在 2015 年 10 月就开启了复刻模式,分别发布了 JP-08 复刻了 1981 年的 JUPITER-8、JX-03 复刻了 1983 年的 JX-3P、JU-06 复刻了 1984 年的 JUNO-106。     感觉 Roland 的发力,可能与这两年电子舞曲音乐方面的现场演出方式有关,前卫的电子音乐人开始逐步转型更需要技巧的 Live Set,我们之前也报道过《Howie Lee 如何把中国电子音乐现场带入另一个层次》 里面也提到了 Live Set 的重要性。 而复刻版让旧设备的尺寸与界面更符合当下制作人的使用习惯,易用性与兼容性也得到了大幅提升。   看看人家 OctaveOne 的现场,真是惊了,太好玩了!     不管怎样,30年后 Roland 给了大家这个惊喜,在我们合成器的小群里,当大家得知 Roland 复刻了 TB-303、TR-909 都开心准备好了钱包。  
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